Der Job von ... Taskin Goec, Mixed Reality Designer

Taskin Goec ist ein Modedesigner aus Berlin, der sich auf die Integration traditioneller Modeproduktion mit digitalen Technologien wie 3D-Modellierung und KI konzentriert. Nach seinem Master of Arts in Mode an der Weißensee Kunsthochschule Berlin in 2021 setzte Goec sein Studium am London College of Fashion fort. Angetrieben von seinem Interesse an den rasanten technologischen Entwicklungen in der Modebranche hat er sich als Pionier im Bereich Mixed-Reality-Modedesign positioniert.

„Digitale Technologie hilft mir, sowohl kreativer als auch effizienter zu arbeiten“, sagt Goec. Seine Arbeitsweise ist sowohl forschungs- als auch ergebnisorientiert. Er konzentriert sich auf die kontinuierliche Erforschung und Anwendung neuer Tools, um die Modeproduktion zu verbessern und zu optimieren.

Auf der Berlin Fashion Week wird Goec am Sonntag ein Strickprojekt präsentieren, das die Grenzen zwischen digitalen und physischen Kreationen überschreitet. FashionUnited sprach mit ihm über seinen Arbeitsprozess, seinen modernen Ansatz für digitale Mode und die Auswirkungen seiner Arbeit auf die Zukunft der Branche.

Können Sie Ihre Rolle als Mixed-Reality-Modedesigner erläutern?

Die Definition von digitaler Mode ändert sich ständig, und Begriffe wie ‚digital‘, ‚hybrid‘, ‚immateriell‘ und ‚virtuell‘ befinden sich in ständiger Entwicklung. Daher gibt es keine offizielle Berufsbezeichnung für das, was ich tue. Letztendlich habe ich mich für ‚Mixed-Reality-Modedesigner‘ entschieden.

Wenn Leute fragen, was meine Arbeit genau beinhaltet, erkläre ich, dass ich sowohl Modekollektionen als auch Arbeitsprozesse entwerfe. Im Grunde versuche ich, die Kluft zwischen digitaler und physischer Mode zu überbrücken, indem ich traditionelle Mode mit experimentellen Arbeitsmethoden kombiniere.

Wie verbinden Sie traditionelle Mode mit digitalen Technologien in Ihrer Arbeit?

Ich arbeite von meinem Studio im Osten Berlins aus, das sowohl Nähmaschinen als auch leistungsstarke Computer für Rendering, CGI (digitale Animation) und KI besitzt. Ich bewege mich ständig zwischen physischer und digitaler Arbeit. Die digitale Technologie macht meine Arbeit sowohl kreativer als auch effizienter. Sie hilft mir, schneller Prototypen zu erstellen und nachhaltiger zu designen. Außerdem ermöglicht sie mir, Ideen schneller und präziser zu teilen.

Manchmal beginne ich physisch, indem ich zum Beispiel eine Technik ausprobiere, diese scanne und digital weiterentwickle. Andere Male beginne ich digital, entwerfe Schnittmuster, drucke sie aus und passe sie physisch an. Das reduziert die Anzahl der Prototypen, die ich erstellen muss.

Mein Fokus liegt nicht auf einer vollständig digitalen Garderobe, sondern darauf, alle verfügbaren Technologien zu nutzen, um Mode auf moderne Weise zu kreieren. Bei jedem Projekt füge ich neue Technologien hinzu, wie zum Beispiel KI-Modelle, die ich selbst programmiere, oder Echtzeitsimulationen. Deshalb beschreibe ich meine Arbeit als das Entwerfen von Arbeitsprozessen – keine festgelegte Methode, sondern ein dynamischer Prozess, der sich ständig in Bewegung befindet.

Welche Software und Tools verwenden Sie beim Entwurf digitaler Mode?

Es gibt ein paar feste Tools, die ich ständig verwende, wie Blender und Cinema 4D. Aber wenn wir uns die neuesten und aktuellsten Tools ansehen, dann ist Stable Diffusion ein wichtiges. Dies ist ein KI-Tool, das mit Midjourney vergleichbar ist, das viele Leute von der generativen Bilderstellung kennen.

Der Unterschied besteht darin, dass das Programm Stable Diffusion viel mehr Freiheit bietet. Anstatt mit Standard-KI-Modellen zu arbeiten, können Sie Ihre eigenen Modelle entwerfen und anpassen. Das macht es zu einem leistungsstarken Werkzeug für digitales Modedesign.“

Wie läuft der Arbeitsprozess bei der Entwicklung eines Modeprojekts ab?

Mein Arbeitsprozess mit Stable Diffusion fühlt sich an, als würde ich mit einem eigenen Designteam arbeiten. Ich programmiere das KI-Modell so, dass es meinen Stil und meine Design-DNA versteht. Anschließend gebe ich ein Briefing und lasse das Modell einige Stunden lang arbeiten, um so viele Versionen einer Idee zu generieren, wie nötig sind.

Ich mache zum Beispiel eine grobe Skizze einer Silhouette und gebe den Auftrag, eine Jeansjacke in meinem Stil zu entwerfen. Am Ende des Tages habe ich Hunderte von Varianten, von denen ich mich inspirieren lassen kann. Es funktioniert wie eine kreative Zusammenarbeit – als ob ein Creative Director ein Team leitet.

Darüber hinaus verwende ich KI nicht nur zur Inspiration, sondern auch zur Erstellung von Blaupausen. Diese sind manchmal so detailliert, dass sie als konkreter Ausgangspunkt für ein neues Produkt dienen.

Was sind die größten Herausforderungen beim Erstellen digitaler Mode?

Die größte Herausforderung besteht darin, mit den sich schnell verändernden Technologien Schritt zu halten. Es gibt unglaublich viele Tools, und sie entwickeln sich ständig weiter. Für mich ist es ein wesentlicher Bestandteil meiner Arbeit, auf dem Laufenden zu bleiben, aber das kostet viel Zeit – es fühlt sich manchmal wie ein Vollzeitjob an sich an.

Für Modedesigner:innen, die bereits einen anstrengenden Job haben, ist es eine Herausforderung zu wissen, welche Tools am besten funktionieren. Zum Beispiel: Welche Software erstellt ein Tech Pack schneller, oder welches KI-Tool hilft bei der Erstellung eines nahtlosen Schnittmusters? Die kontinuierliche Verfolgung neuer Entwicklungen und KI-Tools bleibt eine komplexe, aber notwendige Aufgabe.

Wie bleiben Sie über die neuesten Entwicklungen und Trends sowohl in der Mode- als auch in der Technologiebranche auf dem Laufenden?

Ich bleibe auf dem Laufenden, indem ich ständig recherchiere, Experimente durchführe und mit anderen im Gespräch bleibe. Viele Tools sind nicht speziell für die Modeproduktion gedacht, daher muss ich immer wieder beurteilen, ob und wie sie für meine Arbeit relevant sein können. Dies erfordert technische Kreativität – das Finden neuer Wege, um bestehende Technologien in das Modedesign zu integrieren.

Haben Sie Tipps für Menschen, die eine Karriere als Mixed-Reality-Designer:in in Erwägung ziehen?

Für Studierende oder Menschen, die eine Karriere als Mixed-Reality-Designer:in in Erwägung ziehen, sind sowohl traditionelle als auch technische Fähigkeiten wichtig. Grundkenntnisse im Schnittmustererstellen und in der Bekleidungskonstruktion bleiben unerlässlich. Darüber hinaus ist eine Leidenschaft für Innovation und die Fähigkeit, verschiedene digitale Tools kreativ zu kombinieren, entscheidend.

Gut mit KI arbeiten zu können – auch ‚Prompt Engineering‘ genannt – ist heutzutage eine wertvolle Fähigkeit. Das bedeutet, dass man der KI effektive Anweisungen gibt und lernt, wie man die besten Ergebnisse erzielt. Viele Menschen nutzen zum Beispiel ChatGPT noch nicht optimal, einfach weil sie nicht wissen, wie sie gezieltere Fragen stellen können.“

Wie können Menschen am besten mit KI zusammenarbeiten?

Der beste Weg, dies zu lernen? Versuchen und Fehler machen. Indem man experimentiert und die Ergebnisse kritisch betrachtet, lernt man, wie man die KI besser ‚anspricht‘. Wir befinden uns alle in einer Übergangsphase, in der wir neu lernen zu kommunizieren – aber jetzt mit KI.

Wie sehen Sie die Zukunft der digitalen Mode und die Rolle von Mixed Reality in der Modebranche?

Digitale Mode entwickelt sich ständig weiter, aber die Zukunft sieht anders aus, als wir während der Pandemie dachten. Damals träumten wir von digitalen Kleiderschränken und einem Leben im Metaverse, aber das ist für die meisten Menschen nicht Realität geworden. Die Nachfrage nach vollständig digitalen Outfits bleibt daher eine offene Diskussion.

Gleichzeitig hat das Aufkommen von KI-Tools das Internet mit beeindruckenden digitalen Visuals überflutet, wodurch die Notwendigkeit weiterer digitaler Bilder weniger dringend erscheint. Deshalb sehe ich die Zukunft der digitalen Mode als etwas Praktisches und Hoffnungsvolles: die Verbesserung der physischen Modeproduktion.

Immer mehr Modedesigner:innen und große Marken werden digitale Tools verwenden – so wie Photoshop und Illustrator einst zum Standard wurden. Software wie Clo3D und Blender wird jetzt eingesetzt, um effizienter und nachhaltiger zu designen. Dies kann zu besseren Prototypen, weniger Überproduktion und innovativen Pre-Order-Modellen führen, bei denen Kleidung erst nach einem digitalen Verkauf physisch hergestellt wird. Meine Hoffnung ist, dass diese Technologien die Branche nachhaltiger und effizienter machen.“

Gibt es Missverständnisse oder Vorurteile über Ihre Arbeit, die Sie richtigstellen möchten?

Ja, es gibt viel Verwirrung darüber, wie 3D-Bilder erstellt werden, insbesondere jetzt, da KI immer häufiger eingesetzt wird. Menschen verwechseln oft 3D-Arbeiten und KI-generierte Bilder. In den sozialen Medien bekomme ich regelmäßig Kommentare von Leuten, die denken, dass meine 3D-Arbeiten von KI erstellt wurden, obwohl das nicht der Fall ist. Dies liegt zum Teil daran, dass die Menschen digitale Inhalte immer kritischer betrachten und daran zweifeln, was echt ist und was nicht.

Der Unterschied zwischen 3D und KI besteht darin, dass 3D-Bilder schon seit Jahren existieren, zum Beispiel in Spielen und Filmen. Sie werden mit spezialisierter Software wie Blender von Hand modelliert, animiert und bearbeitet – ein Prozess, der viel Handarbeit erfordert. KI hingegen generiert Bilder basierend auf Textbefehlen (Prompts), ohne dass eine manuelle Modellierung erforderlich ist.

Dennoch ist es nicht immer schwarz-weiß: KI und 3D werden immer häufiger kombiniert. Ich verwende zum Beispiel KI-Tools innerhalb meiner 3D-Entwürfe, aber ich habe immer noch die volle Kontrolle über den Prozess. Bei KI-generierten Inhalten ist das Ergebnis viel unvorhersehbarer; beim traditionellen 3D-Design bestimme ich jedes Detail selbst, von der Modellierung über Texturen bis hin zur Animation. Das bleibt ein wichtiger Unterschied.

Gibt es noch etwas, das Sie über Ihre Arbeit erzählen möchten?

Ich entwerfe maßgeschneiderte Arbeitsprozesse für Designer:innen und Marken, aber auch für Workshops, Tutoring und Consulting. Ich merke, dass eine große Nachfrage nach personalisierten Arbeitsprozessen besteht, da Mode sehr spezifisch werden kann. Alle Designer:innen und Marken haben unterschiedliche Bedürfnisse, und es gibt keine Standardlösung.

Ein kürzlich durchgeführtes Projekt war zum Beispiel die Visualisierung von zweifarbigen Brioche-Strickwaren, die ich während der Berlin Fashion Week präsentieren werde und für die kein bestehendes Tool geeignet war. Wir mussten verschiedene Programme wie Photoshop und Clo3D kombinieren, um das richtige Ergebnis zu erzielen. Diese Art von technischen Herausforderungen macht es notwendig, angepasste Arbeitsprozesse zu entwickeln.

Was das Teilen von Wissen betrifft, so ergibt sich das aus meiner eigenen Erfahrung: Es erfordert viel Zeit und technisches Wissen, um diese Prozesse zu erstellen. Es ist eine Möglichkeit, anderen zu helfen, die nicht immer Zugang zu Tutorials haben, die spezifisch genug für ihre Situation sind.

Ich gebe diese Tutorials nicht nur an Universitäten, sondern auch an Marken und auf digitalen Modeplattformen wie Syky. Diese Arbeit findet weltweit statt, da der Vorteil digitaler Tools darin besteht, dass wir von überall auf der Welt zusammenarbeiten können.

Dieser Artikel erschien zuvor auf FashionUnited.nl und wurde mithilfe von digitalen Tools übersetzt.

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