Von Westwood bis Lee: London Fashion Week läutet neues Zeitalter des Luxuskonsums ein

London Fashion Week (LFW) kehrte vom 17. bis 21. Februar in die britische Hauptstadt zurück. 127 Marken zeigten sich auf etlichen Laufstegen und in Präsentationen und Veranstaltungen in der ganzen Stadt von ihrer besten Seite. Wie immer lag der Schwerpunkt der Modewoche auf aufstrebenden Designer:innen und neuen Namen, deren Plattform durch die NewGen-Initiative gestärkt wurde. Doch nicht nur die Vorfreude auf die Präsentationen der innovativen Jungdesigner:innen, sondern auch die mit Spannung erwarteten Debüts und besonderen Anlässe, die zum ersten Mal in London zu sehen waren, sorgten fünf Tage lang für Begeisterung.

Luxus beherrscht Modemetropole

Die Veranstaltung schien genau zum richtigen Zeitpunkt stattzufinden, gerade als die englische Hauptstadt so etwas wie eine Wiederbelebung der Luxusmode erlebte. Der Sektor scheint in London zu florieren, was auf eine vielversprechende Entwicklung der Luxusbranche hindeutet, obwohl die Region mit der aktuellen Energiekrise und einer rekordverdächtigen Inflation zu kämpfen hat. Dies geht aus einem kürzlich erschienenen Bericht von Savills hervor, der feststellt, dass Premium-Modemarken weiterhin die Einzelhandelslandschaft der Stadt dominieren und sich dort mit einer etwas höheren Rate als vor der Pandemie niederlassen. Das Immobilienberatungsunternehmen stellte fest, dass etwa 21 internationale Mode- und Schuhmarken im letzten Jahr erste Geschäfte in London eröffneten, doppelt so viele wie in 2021. Und der Optimismus wird sich voraussichtlich auch im kommenden Jahr fortsetzen, denn es wird mit weiteren Neueröffnungen gerechnet.

Diese Stimmung spiegelte sich auch im Programm der LFW in dieser Saison wider, wo eine Reihe von Luxusmarken entweder in die Stadt zurückkehrten oder ihr Debüt gaben. Im Gegensatz zu ihren Pariser und italienischen Pendants setzt die LFW jedoch mehr auf junge Talente und aufstrebende Namen, die in Form der NewGen-Initiative des British Fashion Council (BFC) den größten Teil des Programms einnehmen. Dies lenkte jedoch nicht von den etablierten Namen ab, die während der gesamten Woche für Gesprächsstoff sorgten.

Es gab ein entscheidendes Thema, das den Rest teilweise in den Schatten stellte: Während die Branche in der letzten Saison Queen Elizabeth II. gedachte, war die LFW in dieser Saison der Königin des Punk, Vivienne Westwood, gewidmet, die Ende Dezember 2022 verstarb. Bereits vor Beginn der Veranstaltung hatte der BFC angekündigt, die verstorbene Designerin und ihr Vermächtnis zu ehren und ihre Rolle bei der Definition des Punk und der Förderung positiver Veränderungen zu würdigen. Vor diesem Hintergrund wurde die LFW durch Westwoods Gedenkfeier eingeläutet, die zu Beginn der einwöchigen Veranstaltung am Donnerstag stattfand und bei der eine Reihe von Berühmtheiten und Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens, darunter Stormzy, Kate Moss und Elle Fanning, in der Londoner Southwark-Kathedrale in phantastischen, themengerechten Kleidern erschienen - eine Modenschau, die es in sich hatte.

Westwood, Moncler und Daniel Lee regen Diskussionen an

Die physische Modewoche begann am Freitag mit einem Programm, das bereits die Richtung für die kommenden Tage anzeigte. Die Vorfreude wurde durch die Neuzugänge Moncler Genius und Burberry gesteigert, die beide am Montagabend nacheinander Modenschauen veranstalteten. Während Burberry nach dreijähriger Abwesenheit nach London zurückkehrte, war es für Moncler das erste Mal, dass es als das kollaborative Projekt Moncler Genius zu sehen war. Während der Veranstaltung stellte die italienische Luxusmarke ihre neuen “Co-Creators” vor - unter anderem den neuen Kreativdirektor von Louis Vuitton, Pharrell Williams, den Designer Rick Owens, die Sängerin Alicia Keys, den Sportbekleidungsriesen Adidas Originals und den Automobilhersteller Mercedes-Benz -, die jeweils in ihrem eigenen Bereich kreative Konzepte und neue Versionen der bekannten Moncler-Jacken präsentierten.

Die Veranstaltung, die auf dem Messegelände Olympia London stattfand, sollte eine Weiterentwicklung des Moncler Genius-Konzepts sein, das die Marke 2018 mit einem Schwerpunkt auf branchenübergreifende Co-Kreationen einführte. In einer Mitteilung sagte das Unternehmen: “Die Plattform entwickelt sich nun aus dem etablierten Konzept der Kollaboration heraus, das zwei verschiedene Markencodes zusammenführt, und tritt in eine neue Phase der Co-Kreation ein, die sich auf die menschlichen kreativen Fähigkeiten und die Vorstellungskraft konzentriert, um etwas zu schaffen, das jede Marke allein nicht erreichen könnte.” Das Konzept ging jedoch einen Schritt weiter und dehnte die von den Marken bevorzugte Strategie über die Grenzen der Modebranche hinaus.

Währenddessen wurde auch bei Burberry eine neue Phase gefeiert, wo der neue Kreativdirektor des Hauses, Daniel Lee, sein mit Spannung erwartetes Debüt gab. Bei seiner Ernennung wurde Lee mit der Aufgabe betraut, die britische Tradition von Burberry zu verjüngen, die unter dem vorherigen Chef Riccardo Tisci verloren gegangen war, und gleichzeitig die Marke auf das von CEO Jonathan Akeroyd für 2025 gesetzte Umsatzziel von fünf Milliarden Pfund (5,66 Milliarden Euro) zu bringen. Dies allein läutete schon ein Revival für Burberry ein, da viele der vertrauten Codes der Marke durch eine frische Farbpalette und zeitgemäße Details eine willkommene Überarbeitung erfuhren.

Lee legte einen besonderen Schwerpunkt auf Accessoires, eine Kategorie, in der sich der 37-jährige Designer besonders gut auskennt: Bei Bottega Veneta, wo er zuvor tätig war, schuf er ein florierendes Produktrepertoire und gilt somit unter Burberry-Aktionär:innen als Hoffnungsträger. Seine Bemühungen waren bereits auf dem Laufsteg in Form von Umhängetaschen mit Kunstlederbesatz und aus Leder zu sehen, ebenso wie eine lässige Interpretation von Schuhen, die sich auf die Outdoor-Ästhetik stützt, die einst bei der britischen Marke florierte. Wie bei vielen anderen Labels stand auch bei Lee und Akeroyd eine jüngere Kundin im Vordergrund, für die das Haus seine traditionellen Werte in punkige Grafiken und auffällige Silhouetten für eine Reihe von aufgepeppten Klassikern umsetzte. Sogar Lees Weiterentwicklung von Burberrys Ritter-Logo war auffällig, da es stark vergrößert auf Kleidern, Strickwaren und Accessoires zu sehen war.

Stammgäste der Modewoche machen eigene Statements

Burberry und Moncler waren nicht die einzigen weltweit bekannten Marken, die in dieser Saison in London zu Gast waren; viele nutzten die Plattform, um ihre eigenen Werte und Visionen zu bekräftigen. JW Anderson zum Beispiel kehrte mit seinem unverkennbaren augenzwinkernden Flair zurück und konfrontierte seine Gäste mit einer phallisch inspirierten Präsentation. Der Designer, der für seinen unkonventionellen Kommerzialismus bekannt ist, griff das Thema “Fandom” auf, wie es im Begleittext zur Show heißt, und spiegelte dies durch die Verwendung von Logomania-Grafiken und Slogan-Pullovern wider - ein herausragendes Stück war eine Tasche der Marke Tesco in Form eines Trikots.

Andere Statements waren dagegen etwas weniger anzüglich. Der türkische Designer Bora Aksu beispielsweise nutzte die Gelegenheit, um sein Heimatland zu ehren, indem er eine Schweigeminute für die Opfer des Erdbebens vom 6. Februar abhielt, das die Region verwüstet und Zehntausende von Menschenleben gefordert hat. Er war zwar einer der wenigen Designer:innen, die während der Veranstaltung auf die Tragödie Bezug nahmen, aber er reiht sich ein in eine wachsende Zahl von Modehäusern und Einzelhändlern ein, die mit hohen Spenden und humanitären Initiativen auf die Auswirkungen der Katastrophe reagieren. Aksus Haltung spiegelte sich auch in seiner überwiegend in Schwarz und Weiß gehaltenen Kollektion wider, die sich deutlich von den für ihn typischen leuchtenden Farben unterscheidet. Der Designer erklärte gegenüber Reuters nach der Show, dass die Wahl von Schwarz, obwohl es nicht seine ursprüngliche Absicht war, “sich im Sinne einer stillen Trauer richtig anfühlte”.

Für viele Designer:innen stand die sich ständig verändernde Mentalität der Verbraucher:innen im Mittelpunkt, was zu subtilen Neupositionierungen ihrer Kollektionen führte. Dies wurde unterschwellig bei 16Arlington deutlich, wo sich Designer Marco Capaldo teilweise von den Partywear-Ursprüngen der Marke entfernte, um eine lässigere Interpretation der Ästhetik zu präsentieren. Während stark paillettenbesetzte Kleider und schimmernde Abendkleider immer noch zu sehen waren, wurden funkelnde Teile mit bequemen Röcken, flauschigem Fleece und gehobenen Basics kombiniert. Außerdem nahm Capaldo diese Saison zum Anlass, Herrenmode einzuführen – eine Kategorie, in die er schon seit langem einsteigen wollte. Nun tat er dies in Form von Oberteilen und Schnitten, die weiterhin auf seine Designcodes verweisen. Es wurde deutlich, dass der in Italien geborene Designer die Marke weiterentwickeln will, um eine breitere Kundschaft mit Kleidungsstücken anzusprechen, die Verbraucher:innen von der Tanzfläche über die Kneipe an der Ecke bis zum Supermarkt begleiten.

Eine ähnliche Mentalität der Tragbarkeit war auch bei der Modenschau der sonst so extravaganten Molly Goddard zu erkennen. Obwohl sie immer noch den für sie charakteristischen, übertriebenen Tüll präsentierte, schien Goddard in dieser Saison ihre Kollektion in eine Richtung zu lenken, die an die Einfachheit anknüpfte, die sie empfand, als sie 2014 in der Branche anfing, so die Anmerkungen zur Modenschau. Viele Stücke wurden aus dem persönlichen und beruflichen Archiv der britischen Designerin inspiriert und überarbeitet, mit Verweisen auf nostalgische Stücke aus ihrer Kindheit und beliebte Looks, die zuvor in Zeitschriften zu sehen waren. Ihr Fokus auf Tragbarkeit und Schlichtheit spiegelt sich auch in der Entscheidung wider, die Kollektion in ihrem Studio in East London zu zeigen. Im Begleittext sagte Goddard: “Der Raum ist einfach, auf das Nötigste reduziert, der perfekte Rahmen für eine Kollektion, bei der es nicht um Dramatik oder Optik geht, sondern um Tragbarkeit und die Freude am Anziehen."

Marken wenden sich Glamour der alten Schule zu und lassen Y2K hinter sich

In krassem Gegensatz zu den gedämpften Trends schlugen einige Marken eine völlig andere Richtung ein, nämlich die von Hochglanz und Hollywood-Dramatik - möglicherweise eine kurze Abkehr vom Y2K-Trend, der in den letzten Jahren überhand genommen hat. Während David Koma sich an den 1930er und 1960er Jahren orientierte, wie man an den dekonstruierten Smokings und übertriebenen Rüschen sehen konnte, zeigte Roksanda auf dem Laufsteg Anspielungen auf die Welt der Kunst, insbesondere auf die Arbeit der japanischen Künstlerin Atsuko Tanaka, die die Kreation der skulpturalen Roben leitete, die den Abschluss der Show bildeten. Das intime Event schien speziell für die treue Kundschaft und die Fans der serbischen Marke konzipiert worden zu sein, die die erste Reihe säumten, während die Models vor dem Hintergrund einer Live-Lesung des Dichters Arch Hades über den Laufsteg schritten.

Ähnlich dramatisch lieferte auch Richard Quinn ein Spektakel mit einer Show, die stark an Frances Hodgsons Roman “Der geheime Garten” erinnerte. In typischer Quinn-Manier vereinte die Kollektion seine mittlerweile übliche Designkombination aus Blumen und BDSM-inspirierten Details sowie voluminösen Formen, die immer noch den Hollywood-Glamour der alten Schule widerzuspiegeln schienen. Ein Höhepunkt von Quinns Show war eine Auswahl an Brautmoden, die die Hälfte der Kollektion ausmachte. Insgesamt 16 Bräute schritten in Kleidern über den Laufsteg, die alles von Korsagen über verzierte Netzmaterialien bis hin zu stark strukturierten Silhouetten enthielten. Die Prominenz dieser Linie deutet auf das aufblühende Brautmodengeschäft des Designers hin, das er vor allem im Hinblick auf die internationale Kundschaft immer wieder anspricht. Diese Kategorie hat Quinn in den letzten Jahren aufgebaut, seit er sich vor der Pandemie zum ersten Mal in den Bereich der Hochzeitsmode wagte.

Simone Rocha war eine weitere Designerin, die sich in dieser Saison auf Brautmode stützte. Die irische Designerin betrat den Sektor zum ersten Mal im Jahr 2021, gerade als Hochzeiten nach den Covid-bedingten Einschränkungen, die viele dazu zwangen, ihre Termine zu verschieben, wieder in Schwung kamen. Während ihre Debütkollektion auf Bräute zugeschnitten war, die auf der Suche nach schlichteren Kleidern waren, die in der Zeit der Zoom-Hochzeiten und zurückhaltenden Zeremonien beliebt waren, vollzog Rocha in der HW23-Kollektion eine deutliche Kehrtwende in Form von fließender Spitze und bauschigen Röcken. Bei anderen Stücken der Kollektion dieser Saison hat die Designerin ihr Angebot an Herrenmode weiter ausgebaut, ein Bereich, in den sie sich erst in der FS23-Saison wagte. Während die Designerin in der letzten Saison versuchte, einen neuen Sinn für Weiblichkeit in ihre Herrenmode zu bringen, hat sie in diesem Jahr die Grenzen weiter verwischt, indem sie Frauen- und Männerkleidung geschickt zu einer Einheit verschmolz und damit alle anspricht, die sie haben wollen.

Dieser Artikel erschien ursprünglich auf FashionUnited.uk. Übersetzt und bearbeitet von Simone Preuss.