Mercedes-Benz Fashion Week Tbilisi kehrt zurück: Ein Labor für Identität, Erbe und Widerstand

Tiflis liegt strategisch günstig zwischen Europa und Asien. Die Stadt ist eine Überlagerung historischer Schichten. Hier treffen sowjetisches Erbe, brutalistische Architektur und mittelalterliche Kirchen auf eine lebendige Kulturszene. Diese Szene ist geprägt von elektronischer Musik, unabhängiger Kunst und neuen kreativen Gemeinschaften. Diese Koexistenz unterschiedlicher Referenzen hat die georgische Hauptstadt zu einem besonders interessanten Beobachtungsposten gemacht. Hier lässt sich nachvollziehen, wie neue kulturelle Diskurse aus hybriden und sich ständig wandelnden Kontexten entstehen.

Mehrere Jahre lang fungierte der Kreislauf der Mercedes-Benz Fashion Week als globales Netzwerk miteinander verbundener Plattformen. Innerhalb dieses Netzwerks entwickelte Tiflis schrittweise eine eigene Identität. Internationale Designer:innen, darunter spanische Namen wie Dominnico oder Célia Valverde, nahmen über kreative Austauschprogramme an der georgischen Modewoche teil. Diese Programme trugen dazu bei, die Stadt auf dem internationalen Radar der Branche zu positionieren.

Nach einer vierjährigen Pause kehrte die Mercedes-Benz Fashion Week Tbilisi vom 7. bis 10. Mai 2026 zurück. Sie bekräftigte die Rolle der Stadt als Treffpunkt zwischen Tradition und Moderne. Bei dieser Ausgabe diente Mode nicht nur als kommerzielle Plattform oder ästhetische Übung, sondern auch als Werkzeug kultureller Reflexion. Sie war zudem ein Vehikel, um neue kreative Narrative aus der Kaukasusregion zu formulieren.

„Ich glaube, diese Ausgabe zeichnete sich sowohl durch die Stärke der Kollektionen als auch durch die Art und Weise aus, wie die Designer:innen sie präsentierten. Nach einer so langen Pause fühlte es sich wie ein echter frischer Wind für unsere Stadt an“, sagte Sofia Tchkonia, die Gründerin der Veranstaltung. Sie betonte zudem die Bedeutung der MBFW Tbilisi als wesentliche Plattform für die lokale Modeszene. Diese spiele „eine entscheidende Rolle, indem sie georgischen Designer:innen ermöglicht, ihre Arbeit aus ihrem eigenen kulturellen Kontext heraus zu präsentieren und einem globalen Publikum vorzustellen“.

Das Programm, das hauptsächlich in der Factory Tbilisi stattfand, umfasste Modenschauen, Installationen, Konferenzen und Diskussionsrunden. Die Schwerpunkte lagen auf technologischer Innovation, Nachhaltigkeit und neuen Produktionsmodellen.

Das Knüpfen von Teppichen ist eine der wichtigsten Ausdrucksformen des kulturellen Erbes des Kaukasus und wird traditionell ausschließlich von Frauen ausgeübt. Im Haupteingang der Factory Tbilisi arbeiteten zwei Generationen von Meisterweberinnen aus Borchalo im Süden Georgiens live an einem traditionellen Webstuhl. Dies war Teil der Installation von Galib Gassanoff, Finalist des LVMH Prize 2026 und Gewinner des Zalando Visionary Award.

Gassanoff wurde in Georgien geboren und später in Mailand ausgebildet. In Tiflis präsentierte er eine Erweiterung von „Institution“, einem Projekt, das er 2024 begann. Damit verlagerte er seine Praxis von Ready-to-wear hin zu einer Forschung über das textile Erbe des Kaukasus. Seine Arbeit integriert althergebrachte Webtechniken, die er gemeinsam mit ländlichen Gemeinschaften weiterentwickelt hat. Diese überträgt er auf architektonisch konstruierte Silhouetten. Dabei positioniert er das Handwerk nicht als dekoratives Element, sondern als konzeptionelle Struktur einer Kollektion, die diesmal aus Schnürsenkeln gewebt wurde.

Die Entscheidung, den handwerklichen Prozess in den Mittelpunkt des Ausstellungserlebnisses zu stellen, knüpfte auch direkt an die Arbeit von Samoseli Pirveli an. Das georgische Label wurde 2009 mit dem Ziel gegründet, traditionelle Kleidungsstücke für das moderne Leben neu zu interpretieren, damit sie von neuen Generationen getragen werden können. Dieser Ansatz prägt sowohl die Arbeit des Labels als auch einen großen Teil der lokalen Kreativszene.

Vom männlichen Chokha – einem langen, eng anliegenden Wollmantel – bis hin zu Seidenkleidern und handbestickten Kleidungsstücken hat das Projekt eine Erzählung aufgebaut, die auf der aktiven Bewahrung des lokalen Savoir-faire und der Wiedereinführung historischer Codes in die zeitgenössische Garderobe basiert.

Mode als politischer Raum

Der Laufsteg verwandelt sich im Verlauf der Kollektion der georgischen Marke God Era in einen politischen Raum. Die Kollektion ist als direkte Antwort auf den gesellschaftlichen Kontext des Landes konzipiert, in dem Kreativität mit „politischem Druck, sozialer Unsicherheit und einem ständigen Gefühl der Reibung zwischen Öffnung und Beschränkung“ koexistiert.

Nach den Worten der Gründerin Nino Goderidze bedeutet das Schaffen in Tiflis, „innerhalb einer ständigen Reibung zwischen Freiheit und Beschränkung zu agieren“. Dies sei eine Bedingung, unter der kulturelle Produktion nicht vom politischen Umfeld getrennt werden könne. „Wir sind mit der globalen Kultur verbunden und gleichzeitig tief in einer sehr spezifischen lokalen Realität verwurzelt“, so Goderidze.

Diese Lesart durchzieht einen Entwurf, der Kleidung in Sprache und Archiv verwandelt und Verweise auf Zensur, Migration und queeren Ausdruck als strukturelle Achsen integriert. Der Begriff der Migration ist hier nicht auf seine geopolitische Dimension beschränkt, sondern verschiebt sich ins Psychologische. Er wird zu einem anhaltenden Gefühl der jüngeren Generation, die sich ihre Zukunft aus einer Position der Ungewissheit heraus vorstellt. In diesem Rahmen laufen die Models über den Laufsteg und sagen: „Ich sollte gehen, ein ganz neues Leben anfangen … vielleicht sollte ich Asyl beantragen.“

Parallel dazu tauchen mit „Staub“ bedeckte Kleidungsstücke auf. Sie erinnern an jene, die viele Frauen für „besondere“ Anlässe aufbewahren und die dadurch nicht nur Abnutzung, sondern auch Zeit und Bedeutung ansammeln. Die Kollektion reflektiert zudem Mechanismen des Zum-Schweigen-Bringens im öffentlichen Raum. Diese zeigen sich etwa in Praktiken wie dem systematischen Entfernen von Graffiti: „Während der Demonstrationen hinterlassen die Leute Graffiti und Slogans in der ganzen Stadt, und am nächsten Tag sind sie oft mit schwarzer Farbe übermalt.“

Zwischen Erbe und Zukunft

Matériel

Diese Interpretation von Kleidung als Sprache und Archiv findet auch in der Arbeit der georgischen Marke Matériel Resonanz. Sie zählt zu den bedeutendsten Labels der zeitgenössischen georgischen Modeszene und hat über die Jahre eine kontinuierliche Entwicklung durchlaufen. Das Unternehmen gilt als das älteste Modehaus Georgiens, das nach dem Fall der UdSSR in seiner heutigen Form weiterhin aktiv ist. Seine Ursprünge reichen bis ins Jahr 1949 zurück, als es unter dem Namen Materia gegründet wurde.

Bei dieser Ausgabe präsentierte die Marke eine Laufsteg-Kollaboration mit dem georgischen Designer Lasha Mdinaradze, dem Gründer von Gudu und Gewinner des „Be Next Fashion Design Contest“. In der Kollektion werden essenzielle Garderobenstücke wie Trenchcoats, Bürohemden und Denim neu interpretiert. Dies geschieht durch übersteigerte Silhouetten, architektonische Volumen und Opernhandschuhe aus Leder in leuchtenden Farben, die den expressiven Charakter der Entwürfe unterstreichen.

Lado Bokuchava

In diesem Kontext verkörpert der georgische Designer Lado Bokuchava eine Generation von Designer:innen, die den Übergang von institutionellen Strukturen zu unabhängigen Projekten mit internationaler Ausrichtung geschafft hat. Er war sieben Jahre lang Teil des Designteams von Matériel. Seine Marke, die sich zunächst auf Damenmode konzentrierte und später schrittweise zu einem inklusiveren Ansatz erweitert wurde, kreist um die Konstruktion von Identität durch Schnitt und Form.

Dieser Ansatz hat es der Marke ermöglicht, ihre Präsenz auf internationalen Märkten durch ein Netzwerk von Händler:innen wie Ssense, Revolve und H. Lorenzo zu festigen. Zudem verfügt die Marke über eine eigene E-Commerce-Plattform mit weltweitem Versand.

Bokuchava selbst beschreibt seine Praxis als eine Form persönlicher und emotionaler Selbstverwirklichung, bei der Mode zu einer Sprache wird, die intime Erfahrungen in gemeinsame Erzählungen übersetzen kann. „Für mich ist Mode die stärkste Form, meine Sicht auf die Welt zu kommunizieren und persönliche Erfahrungen in etwas zu verwandeln, das Menschen fühlen und mit dem sie sich verbinden können.“

Auf dem Laufsteg manifestiert sich dies in einer Mischung, die wie eine Romanze zwischen dem Grunge der 1990er-Jahre und industriellem Futurismus wirkt. Die Kollektion reicht von der Steifheit glänzenden Vinyls bis zur Wärme von Teddy-Mänteln aus Kunstpelz. Ein roter Faden aus Metallbeschlägen und Leder verbindet die einzelnen Looks miteinander.

Aufstrebende Sprachen

Im Streetwear-Segment der zeitgenössischen georgischen Szene erforscht die Marke Reckless Chaos Identität und das Gefühl sozialer Zugehörigkeit durch Kleidung. Die Produktlinie konzentriert sich auf Unisex-Mode und umfasst Oversize-Sweatshirts, grafische T-Shirts, Hosen und Accessoires. Ihr Angebot richtet sich an ein Publikum der Generation Z.

Die kreative und strategische Leitung des Projekts liegt bei einem Trio junger Designerinnen: Anka Koiava, Liza Kajrishvili und Masu Mtsariashvili. Sie zeichnen für die Kollektion „Half Sleeper“ verantwortlich. Diese taucht in den instabilen Raum zwischen Traum und Wachzustand ein, „wo Emotionen sich verstärken und Stabilität immer nur vorläufig scheint“. So entsteht eine psychologische Deutung der Jugend, geprägt von der ständigen Spannung zwischen Flucht und Konfrontation.

Zum Abschluss dieses Rundgangs durch die neuen Narrative der lokalen Szene schlägt die Marke Syndrom eine Erkundung von Veränderungsprozessen vor. Diese werden als ein Raum verstanden, in dem Verletzlichkeit, Spannung und Stärke Identität leise neu formen. In dieser Lesart bewegt sich Weiblichkeit in ein unvollkommenes und sich ständig im Wiederaufbau befindliches Territorium.

Sie entfernt sich bewusst vom Perfektionierten, um eine Ästhetik des kontinuierlichen Wandels anzunehmen – als wäre jedes Kleidungsstück geborgen und mit neuer Absicht wieder zusammengesetzt worden. Aus Sicht der Gründerin Tekla Gurgenidze schöpft das Projekt aus der Underground-Szene von Tiflis und führt eine poetische Dimension in die Praxis ein. So entsteht eine visuelle Sprache, die zwischen dem Taktilen, dem Unfertigen und emotionaler Präzision oszilliert.

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