London Fashion Week im Wandel: Widerstandsfähigkeit und kreative Entwicklung trotz widriger Umstände

„Dies sind herausfordernde Zeiten für die britische Modebranche“, erklärte Caroline Rush, scheidende CEO des British Fashion Council (BFC), während der Eröffnungsveranstaltung der London Fashion Week am 21. Februar. „Obwohl wir uns eine andere Situation wünschen würden, weiß ich eines: Diese Gemeinschaft ist widerstandsfähig und die Kreativität wird in Krisenzeiten noch stärker.“ Es war ein düsterer, aber dennoch hoffnungsvoller Start in eine verkürzte Version der halbjährlichen Veranstaltung, heimgesucht von der Abwesenheit gewohnter Teilnehmer:innen, aber beflügelt von kreativen Nachwuchstalenten, die ihren Platz eingenommen haben.

Es ist mittlerweile kein Geheimnis mehr, dass die Teilnahme an einer Fashion Week ein kostspieliges Unterfangen ist. Obwohl eine ausgewählte Anzahl von Designer:innen im Rahmen der NewGen-Initiative des BFC finanzielle Unterstützung erhält und daher viele der Runway-Slots belegt, sind andere auf Sponsoring angewiesen oder müssen ihre Prioritäten überdenken – sei es, nach Mailand oder Paris zu wechseln, wo die Plattformen größer sind, oder ganz auf Modenschauen zu verzichten. Für die Herbst/Winter-Saison 2025 schien Letzteres Vorrang zu haben.

Bedeutsame Gespräche bei intimen Abendessen vor kostspieligen Modenschauen

Einige Marken wie Marques Almeida und Carlota Barrera waren ursprünglich im Programm und sind dann abgesprungen. Ehemalige Stammgäste wie Molly Goddard, Ahluwalia und Nensi Dojaka fehlten gänzlich. Andere entschieden sich stattdessen für Dinner-Events anstelle von Runway-Shows. Zu diesen Namen gehörten die ehemaligen NewGen-Teilnehmenden 16Arlington, Feben und Aaron Esh, ebenso wie Patrick McDowell, der sein eigenes intimes Abendessen in Zusammenarbeit mit dem Myzel-Faserunternehmen Ecovative veranstaltete, mit dem er die Einführung einer Kooperation mit dem Biotech-Unternehmen Huue feierte.

In einer Pressemitteilung erklärte McDowell, dass dieser Abschied vom traditionellen Format dazu diene, „Raum für bedeutungsvolle Gespräche zu schaffen“, und fügte hinzu, dass Mode „genauso viel mit den Menschen zu tun hat, die sie tragen, wie mit den Kleidungsstücken selbst“. In einem Statement gegenüber Glossy räumte der Designer jedoch auch die erhöhte finanzielle Belastung ein, die mit einer Modenschaue einhergeht, insbesondere da „Sponsoring nicht mehr so verfügbar ist wie früher“. „Viele Marketingbudgets wurden neu zugewiesen, und das macht es für kleinere Marken schwieriger, die Kosten zu rechtfertigen“, so McDowell.

Alternativ scheint sich die LFW auf ihre Position als Nährboden für neue, hochwertige Talente zu konzentrieren, von denen viele weltweite Anerkennung erlangen, bevor sie zur rechten Zeit in die Hauptstadt zurückkehren. Das von Harry Styles unterstützte Label S.S.Daley ist ein gutes Beispiel dafür. Der LVMH-Preisträger hatte im vergangenen Jahr den prestigeträchtigen Gastdesigner-Platz auf der florentinischen Herrenmodemesse Pitti Uomo inne und traf in dieser Saison die kurzfristige Entscheidung, nach London zurückzukehren. Hier zelebrierte der Designer Steven Stokey-Daley das britische Erbe und ließ sich vom schottischen Maler Francis Cadell inspirieren – beispielsweise Slogan-Strickwaren, die neben Steppjacken und einem Trenchcoat-Regenmantel-Hybrid präsentiert wurden.

Die Irin Simone Rocha hat sich bereits auf verschiedenen Bühnen Anerkennung verschafft, unter anderem als Gastdesignerin bei Jean Paul Gaultier während der Haute Couture Week. In dieser Saison bekräftigte sie ihr Engagement für London mit einer Feier zum 15-jährigen Bestehen ihrer Marke. Für die Kollektion blickte Rocha passenderweise auf diese Zeit zurück, um ihre Designs zu inspirieren, von denen viele an ikonische Looks aus ihrer Vergangenheit erinnern, die in die Gegenwart übertragen wurden. Mit Bändern verzierte Schnürkleider bildeten den Eckpfeiler der Linie und kontrastierten mit schwereren Lederbomberjacken und eher taillierten Anzügen, die ebenfalls zu sehen waren.

Obwohl Rocha zu den etablierteren Designer:innen in London gehört, erkannte auch sie die Herausforderungen, mit denen die Branche heute konfrontiert ist, als sie vor der Veranstaltung mit Elle sprach. Die Designerin ging darauf ein, wie die Teilnehmenden die aktuelle Situation zu ihrem Vorteil nutzen könnten, und kommentierte: „Auch wenn London eine kleinere Saison ist, bedeutet das nicht, dass sie nicht genauso stark sein kann. Es bedeutet auch nicht, dass man nicht sein Bestes geben kann. Mode ist ein Spiegelbild der Zeit, und wir leben in herausfordernden Zeiten. Ich denke, es ist wichtig, herauszufinden, wie man damit umgeht, und bereit zu sein, Risiken einzugehen, Dinge anders zu interpretieren, sich Zeit zu nehmen und Dinge zu tun, die für einen selbst richtig sind.“

Star-Power und Theatralik bringen frischen Wind in stagnierende Umgebungen

Es könnte sein, dass Londoner Designer:innen sich von Paris und Mailand inspirieren lassen, wo Star-Power dazu beiträgt, die Aufmerksamkeit zu erhöhen und Fans über die Modewelt hinaus anzuziehen. Rocha beispielsweise engagierte unter anderem Alexa Chung und Fiona Shaw als Models für ihre Show, während Harris Reed – der auch als Creative Director bei Nina Ricci tätig ist – für seine eigene Modenschau in der Tate Britain auf Florence Pugh setzte. Pughs ergreifender Eröffnungsmonolog leitete eine Reihe von Designs ein, die Reeds mittlerweile synonyme Dramatik hervorriefen, wobei Deadstock-Schneiderwolle in 3D-Strukturen eingearbeitet wurde und geätzte Golddetails inmitten von dunklem, aber fließendem Chiffon und Tüll hervorstachen.

Theatralik spielte auch anderswo in London eine Rolle. Richard Quinn, ein Stammgast der Fashion Week, inszenierte seine Kollektion Couture-ähnlicher Stücke vor einer schneebedeckten Kulisse im Kensington-Stil. Meerjungfrauen-Silhouetten und flauschige, gestufte Kleider waren auf dem Laufsteg als Liebesbrief an die Stadt selbst zu sehen. Das Schmucklabel Completedworks setzte in einer Theaterproduktion, die eine Alternative zu einer Modenschau darstellte, auf Debi Mazar, die eine Shopping-Channel-Moderatorin inmitten eines Nervenzusammenbruchs spielte. Solche Formate brachten dringend benötigte Abwechslung in ein Programm, das ansonsten im Vergleich zu den eskalierenden Ausmaßen von Modenschauen anderswo ziemlich stagnierte.

Dasselbe könnte man über das Stühlerücken in der Branche in anderen Modestädten sagen, wo die Debüts der Kreativdirektor:innen die Zeitpläne bestimmen und den Hype ankurbeln. London ist auch in dieser Hinsicht ruhiger, dennoch änderten sich einige Strömungen – wenn auch nur sehr geringfügig. Mithridate war die einzige Marke, die in dieser Saison einen neuen Kreativdirektor vorstellte. Der britische Designer Daniel Fletcher wurde im November letzten Jahres mit der Überarbeitung der Marke und einer neuen Kollektion beauftragt. Er nutzte diese Zeit, um die Marke von ihren Demi-Couture-Wurzeln zu einem zeitgemäßeren Ready-to-Wear-Ansatz zu führen und das chinesische Erbe von Mithridate mit Fletchers eigenen britischen Ursprüngen zu verbinden.

Anderswo erholen sich andere Designer:innen wieder. Dies ist der Fall bei Ashish, das einst ein Stammgast der Londoner Saison war, aber finanzielle Engpässe, die durch die Pandemie und den Rückzug des ehemaligen E-Tail-Partners Matches verursacht wurden, zwangen Designer Gupta Ashish zu einer Neuausrichtung. Mit Unterstützung des BFC kehrte Ashish mit der Kollektion „Crisis of Confidence“ zurück, eine Anspielung auf die Unsicherheiten der Gegenwart und die Freiheit, sich selbst das Scheitern zu erlauben. Die Botschaft wurde buchstäblich durch eine Reihe von Slogan-T-Shirts vermittelt – einige politisch aufgeladen, „Fashion not Fascism“; andere eher augenzwinkernd, „Not in the Mood“. Die Kollektion wurde in Ashishs charakteristischem Camp-Stil präsentiert und markierte die definitive Rückkehr des in Neu-Delhi lebenden Designers.

Destabilisierende Phase für alle Markenformate führt zu Trendveränderungen

Ashish nutzte seine Zeit abseits des Rampenlichts, um seine eigene D2C-E-Commerce-Plattform zu starten. Ihre Einführung war eine Reaktion auf eine Zeit, die Ashish als „sehr destabilisierend“ für eine kleine unabhängige Marke beschrieb. Dies unterstreicht nur die schwierige Natur des aktuellen Klimas, eine Landschaft, die selbst von größeren Namen im Programm nicht vermieden werden kann.

Die Bedeutung traditioneller LFW-Marken wie Burberry, die sich zum Programm bekennen, kann jedoch nicht genug betont werden. Da größere Namen wie JW Anderson weiterhin von den Mailänder und Pariser Pendants zu London angezogen werden, besteht ein gewisser Bedarf für Headliner, ihren Wurzeln treu zu bleiben, um die Relevanz und die globale Präsenz der Stadt zu erhalten, egal wie sehr auch sie in finanzieller Hinsicht zu kämpfen haben mögen. In dieser Hinsicht hat Burberry einen holprigen Weg hinter sich, einen Weg voller Schlaglöcher, der die Zukunft der Zusammenarbeit mit Kreativdirektor Daniel Lee in Frage gestellt hat – Spekulationen über Lees Ausscheiden aus dem Label waren in den letzten Monaten weit verbreitet.

Obwohl ein unterschwelliges Gefühl der Unsicherheit vorhanden ist, war dies bei der H/W 25 Show, die das Finale der LFW bildete, nicht der Fall. Mit der üblichen Kohorte berühmter Fans – von Orlando Bloom und Skepta in der ersten Reihe bis hin zu Lesley Manville und Jessica Madsen auf dem Laufsteg – war die Atmosphäre geprägt von einem „großen Freitagabend-Exodus aus London“, so Lee in den Shownotes. Dieses Gefühl spiegelte sich auch in der Kollektion wider. Typisch britische Stoffe wurden zu taillierten Anzügen verarbeitet, Kleider aus Samtdamast zeigten kunsthandwerkliche Techniken und überarbeitete Smokingjacken, Seidenpyjamahemden und Tweedmäntel mit Seidenorganzafedern wurden als neu interpretierte Erbstücke präsentiert.

Ähnlich wie andere fand die Burberry-Show in der Tate Britain statt, was eine einjährige Partnerschaft zwischen den beiden unterstreicht und die Notwendigkeit der branchenübergreifenden Zusammenarbeit hervorhebt. Und in der Tat ist das, was die britische Modebranche im Moment wirklich „braucht“, dieses Gefühl der zunehmenden Unterstützung. Während der BFC kürzlich eine Million Pfund an Fördermitteln über die „Great“-Kampagne der britischen Regierung zur Unterstützung von NewGen erhalten hat, ist der Bedarf darüber hinaus gewachsen, wobei Caroline Rush auch „ein verbessertes Handelsabkommen mit der EU“ und erneut die Wiedereinführung des steuerfreien Einkaufens forderte.

Bei der Eröffnungsveranstaltung sagte Rush, die den BFC im Juni verlassen wird: „Weitere Unterstützung von der Regierung ist absolut entscheidend. Wir müssen mit der Regierung zusammenarbeiten, um Unternehmen den Zugang zu kostengünstigen Finanzierungen zu ermöglichen. Es wird immer wichtiger sicherzustellen, dass [Designer:innen] die Möglichkeit haben, über die notwendigen Finanzmittel zu verfügen, um ihre Unternehmen auszubauen. Wir haben das Talent, wir brauchen nur diesen Unterstützungsmechanismus, um ihnen beim Wachstum zu helfen.“

Rush wird von der ehemaligen Selfridges-Managerin Laura Weir abgelöst, die im April zum Council stößt und von da an Initiativen leiten wird, die sich auf verantwortungsvolles Wachstum und die Schaffung von Möglichkeiten für Talente konzentrieren. Sie wird auch die vollständige Umsetzung der Nachhaltigkeitsanforderungen der Copenhagen Fashion Week überwachen, die in dieser Saison für NewGen-Designer eingeführt wurden, aber bis Januar 2026 auf das gesamte Programm ausgeweitet werden. Mit einer neuen Führung und drastischen Veränderungen im Gange hoffen die LFW und ihre Designer:innen auf eine dringend benötigte Wiederbelebung in der englischen Hauptstadt, die die Rückkehr großer Namen und eine stabilere Plattform für neuere Namen fördert.

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