Jonathan Marc Steins unkonventioneller Aufstieg als Designer

Der Besuch einer Modeschule bietet angehenden Designer:innen eine solide Plattform, um Designtechniken zu erforschen, grundlegende Methoden zu erlernen und wichtige Fähigkeiten zu beherrschen. Es ist jedoch nicht der einzige Weg zum Erfolg in der Modeindustrie. Tatsächlich haben einige der berühmtesten Modedesigner:innen der Geschichte nie eine Designschule besucht.

Der 28-jährige Designer und Stylist Jonathan Marc Stein aus Los Angeles ist bereit, in die Fußstapfen visionärer Designer wie Karl Lagerfeld, Giorgio Armani und Manolo Blahnik zu treten, und hat keine Designschule besucht - zumindest nicht für Modedesign. Als er sich während seines Maschinenbaustudiums vor dem Unterricht eine Alexander McQueen-Laufstegshow aus den 1990er Jahren ansah, fühlte er sich dazu berufen, diesem kreativen Interesse nachzugehen, und hat seitdem nie zurückgeblickt.

Mit der Einführung seiner gleichnamigen Marke im Jahr 2017 ist Jonathan zu einem der wichtigsten aufstrebenden Designer:innen aufgestiegen, der in seinen Couture-Designs Eleganz mit innovativem Flair verbindet. Seine Entwürfe wurden in Harper's Bazaar, L'Officiel und Cosmopolitan vorgestellt, von Prominenten wie Mackenzie Ziegler und Laura Marano bei großen Veranstaltungen getragen und auf internationalen Modewochen präsentiert.

FashionUnited sprach mit dem jungen Designer nach der Vorstellung seiner Herbst/Winter-Kollektion 2023, um mehr über seinen Aufstieg zu erfahren, darüber, dass er Autodidakt ist, und über den Aufbau einer Marke.

Wann wurde Ihnen zum ersten Mal klar, dass Sie Modedesignerin werden wollten?

JMS: Ich hatte das Gefühl, dass ich keine andere Wahl hatte, als Ingenieur zu werden. Ich musste entweder Arzt, Anwalt oder Ingenieur werden. Also ging ich auf die Ingenieurschule. Während meines zweiten Studienjahres wartete ich auf den Beginn einer meiner Vorlesungen und scrollte auf YouTube, um mir die Zeit zu vertreiben. Dabei stieß ich auf eine Laufstegshow von Alexander McQueen aus dem Jahr 1997, und das hat mich sehr beeindruckt. Ich war schon immer an Kunst interessiert. Ich habe immer gemalt und gezeichnet, und die künstlerische Seite der Show hat mich dazu inspiriert, mir das Nähen beizubringen. Von da an habe ich zwischen den Kursen genäht, Stoffe eingekauft und Kleider genäht. Ein Jahr später wurde ich eingeladen, auf der Columbus Fashion Week auszustellen, und von da an entwickelte sich alles wie von selbst.

Wie beeinflusst oder prägt Ihr technischer Hintergrund Ihren Designansatz?

JMS: Viele Menschen sind von der Korrelation zwischen beiden überrascht, aber es gibt so viele Ähnlichkeiten. Beim Modedesign ist tatsächlich viel Mathematik im Spiel. Mathematik ist der Schlüssel zu präzisen Messungen, um die perfekte Passform zu gewährleisten. Außerdem kann man die Physik nicht ignorieren - das Gewicht und die Struktur des Stoffes müssen im Gleichgewicht sein. Wenn ich zum Beispiel ein schweres Bustier von 45 Kilogramm entwerfe, ist die richtige Materialkombination entscheidend, um sicherzustellen, dass es stützend, gut sitzend und ästhetisch ansprechend ist.

Was sind die Herausforderungen und Vorteile eines autodidaktischen Modedesigners?

Das ist eine schwierige Frage. Obwohl mir die technische Grundlage einer formalen Modedesign-Ausbildung fehlt und ich keine Anleitungen zu Stoffen, der Struktur von Kleidungsstücken und der Anfertigung von Schnittmustern erhalten habe, bietet dies doch einen einzigartigen Vorteil. Ich glaube, das hat mir einen kreativen Vorteil verschafft, den ich sonst vielleicht nicht entwickelt hätte. Ähnlich wie ich in der Schule eine Matheaufgabe anders gelöst habe, aber trotzdem auf die richtige Antwort gekommen bin, erlaubt mir meine fehlende traditionelle Ausbildung, innovativ zu sein. Durch Ausprobieren entwickle ich meine eigenen Methoden und schaffe schöne Stücke, ohne mich auf konventionelle Techniken zu verlassen.

Mein nicht-traditioneller Modehintergrund bedeutet jedoch, dass ich ständig von Grund auf lernen muss. Ich musste mir jedes technische Detail selbst aneignen, von den Nähmethoden bis zur Verwendung von Stützen für die Struktur. Ich habe zwar alles selbst herausgefunden, aber der Nachteil ist die Zeit, die ich in das Selbstlernen und Experimentieren investiert habe.

Was sind einige der grundlegenden Elemente, die Ihre Kollektionen für Damen- und Herrenbekleidung ausmachen?

Wenn ich in meinem Atelier Kollektionen entwerfe, ändern sich der Prozess und das Ergebnis oft von Saison zu Saison. Mein Stil hat sich jedoch so weit entwickelt, dass alle Kollektionen gemeinsame Elemente aufweisen. Leder war schon immer mein Lieblingsmaterial und zieht sich wie ein roter Faden durch alle von mir entworfenen Kollektionen. Ich verwende oft metallische Beschläge, wie Schnallen, Ketten, Nieten und Zierreißverschlüsse, um nur einige zu nennen. Ich kombiniere diese Komponenten sogar in vielen meiner Kleidungsstücke. Ich finde es schön, diese kantigen und strukturierten Materialien mit zarteren und feminineren Materialien wie fließender Seide, durchsichtigem Tüll oder sogar Organza zu kombinieren.

Was macht Leder zu Ihrem Lieblingsmedium für Mode?

Ich finde, dass Leder eines der wenigen Materialien ist, das so viele verschiedene Formen annehmen kann. Es ist so vielseitig, dass es robust und dick oder feminin und zart sein kann, im Gegensatz zu Seide, die eher fließend und weich ist. Während bei Anzügen die Stoffauswahl begrenzt ist, schafft Leder mühelos den Spagat zwischen hübsch, kantig, zart und strukturiert, und das ist was ich an meisten an Leder mag.

Wie bringen Sie Ihre Verwendung von Leder mit den aktuellen Ansichten zur Nachhaltigkeit in Einklang?

Natürlich kann es schwierig sein, Nachhaltigkeit und meine Liebe zu Leder unter einen Hut zu bringen. Veganes Leder, das oft aus Plastik besteht, ist zwar nicht besonders haltbar und stellt eine Herausforderung für die Umwelt dar, aber ich habe mich mit einem ethischen Lieferbetrieb zusammengetan. Sie beziehen das Leder als Nebenprodukt der Fleischindustrie und stellen so sicher, dass es nicht verschwendet wird. Sie sind umweltzertifiziert, verwenden zu 100 Prozent recyceltes Wasser, haben einen minimalen CO2-Fußabdruck und werden zu 90 Prozent mit Solarenergie betrieben. Angesichts der beträchtlichen globalen Verschwendung in der Modeindustrie erscheint mir dieser Ansatz derzeit am verantwortungsvollsten, auch wenn ich über zukünftige Alternativen nachdenke, um dieses Gleichgewicht in meinen Kollektionen zu erhalten.

Meine aktuelle AW 2023-Kollektion weist den bisher geringsten ökologischen Fußabdruck auf. Ich habe 80-90 Prozent recycelte oder nicht mehr benötigte Stoffe verwendet. Die Schnittmuster, wie das der Jacke DAN/IEL, sind so konzipiert, dass möglichst wenig Abfall anfällt. Die Entwürfe sind blockförmig und vermeiden Abnäher, so dass nur wenig Stoffreste anfallen, die ich wiederverwende. Alle Metallteile werden recycelt, und der Transport erfolgt ausschließlich mit Elektrofahrzeugen. Ich habe mich verpflichtet, diese kleinen Änderungen vorzunehmen, um einen branchenweiten Wandel voranzutreiben.

Wenn Sie zurückblicken, was würden Sie sagen, wie sich Ihr Designstil im Laufe der Jahre entwickelt hat?

Es gibt einen großen Unterschied zwischen meiner ersten Kollektion und der jetzigen. Meine erste Kollektion war, gelinde gesagt, nicht großartig. Aber ich war noch dabei, zu lernen und meinen persönlichen Stil zu finden, während ich herausfand, was ich mit meiner Marke erreichen wollte. Damals ahmte ich andere Marken nach und testete neue Designs. Schließlich entwickelte sich die Marke zu dem, was sie heute ist. Aber einer der Hauptunterschiede zwischen der ersten und der aktuellen Kollektion ist wahrscheinlich, dass ich jetzt viel mehr modische Risiken eingehe. Ich nutze meinen eigenen Stil und treibe ihn auf die Spitze, bin mutiger, anspruchsvoller und mehr ich selbst.

Wo sehen Sie Ihre Marke in der Modeszene von LA?

Die Mode in Los Angeles hat sich schon immer von der anderer Städte abgehoben. Sie zeigt sich oft in Form von Glamour und Glanz mit einem Hauch von Exzentrik. Ich habe das Gefühl, dass dies oft das ist, was ich in meinem Atelier produziere und auf den Laufsteg bringe. Ich habe mich entschieden, meine Marke in L.A. zu gründen, weil sich hier alles abspielt: die Stars, die roten Teppiche und die schrillen Events. Ich habe bewiesen, dass ich in der Lage bin, wunderschöne Luxuskleidung herzustellen, die auf dem roten Teppich unter den Stars getragen werden kann, aber auch auf dem Laufsteg glänzt.

Was sind die drei größten Momente in Ihrer bisherigen Karriere als Modedesigner?

Der erste Moment war sicherlich meine erste Show auf der LA Fashion Week. Es war ein Crashkurs in den Grundlagen der Branche und der Inszenierung einer Laufstegshow, die eine große Werbung für die eigene Marke ist. Es war wichtig für mich, meinen Stil und die thematische Integration zu zeigen. Diese Erfahrung ebnete den Weg für meine NYFW-Show, die mir mehrere große Kund:innen einbrachte und einen weiteren Meilenstein in meiner Karriere als Designer markierte.

Der zweite Moment war meine erste großer Kundin und der darauf folgende Moment der Anerkennung, den ich erhielt. Ich arbeitete mit Lauren Morano zusammen und kleidete sie in ein blau-lila Paillettenkleid ein, das sie, ohne meines Wissens, auf einer HBO-Emmy-Afterparty 2018 trug. Es war nicht nur mein erster großer Auftrag, sondern auch mein erster großer Moment der Anerkennung, da sie einen Platz auf Cosmopolitan Best-Dressed-Liste erhielt. Abgesehen von der persönlichen Erfüllung war es eine Bestätigung zu sehen, dass meine Designs bei anderen Anklang finden. Für mich geht es beim Design darum, ein Gleichgewicht zwischen geschäftlichem Erfolg und der Freude und Kunstfertigkeit zu finden.

Nummer drei wäre meine erste internationale Modenschau auf der Arab Fashion Week in Dubai. Es war nicht nur eine Gelegenheit, meine Entwürfe auf einer globalen Plattform zu zeigen, sondern ich gewann auch den Golden Forever Rose Award. Ich habe mich bei der Verleihung gegen andere große Designer:innen wie Valentino durchgesetzt, was mir das Gefühl gab, dass ich mir meinen Platz am Tisch verdient hatte.

Wo möchten Sie JMS in den nächsten fünf Jahren sehen?

Ich hoffe, dass ich mit dem, was ich tue, weitermachen und die ständige Weiterentwicklung meiner Marke, meines Stils und meiner technischen Fähigkeiten unterstützen kann. Ich möchte ein bekannter Name werden und international expandieren. Ich würde gerne auf den führenden internationalen Modewochen wie Paris, Mailand und London ausstellen.

Mein größtes Ziel für die nächsten fünf Jahre ist es jedoch, dass meine Marke ein bekannter Name wird. Wenn meine Arbeit auf diese Weise international anerkannt würde, wäre das definitiv ein Erfolg.

Dieser Artikel erschien ursprünglich auf FashionUnited.uk. Übersetzt und bearbeitet von Simone Preuss.