Findet in einer postpandemischen Welt Kunst auf unserer Kleidung statt?

Die Ehe zwischen Kunst und Mode hält nicht nur, sie erneuert ihr Gelübde. Die Annalen der Modegeschichte sind gespickt mit den größten Namen der Kunst. Hier ein paar der berühmtesten Beispiele: Salvador Dalí beflügelte die Fantasie von Schiaparelli in den 30er Jahren, Piet Mondriaan inspirierte Yves Saint Laurent 1965, Louis Vuitton ging 2007 eine Partnerschaft mit Takashi Murakami ein und Alexander McQueen tat sich 2013 mit Damien Hirst zusammen.

Und wenn es nach der Mailänder Modewoche geht, werden Männer im Herbst/Winter 2021 Kunst zur Schau tragen. Die aufsehenerregende Zusammenarbeit zwischen Fendi und dem englischen Maler Noel Fielding machte Schlagzeilen. Seine leuchtenden Abstraktionen wurden perfekt in Grafiken auf Strickwaren und Allover-Motive auf Morgenmänteln übertragen.

„Er ist ein Mann mit vielen Gesichtern: ein Schauspieler, ein Komiker, aber auch ein Künstler, ein Musiker, ein Schriftsteller. Heute muss man ein Multi-Tasker sein, jemand, der sich jeder Definition entzieht“, sagte Silvia Fendi gegenüber Vogue. „Und ich denke, in der Zukunft, wenn wir aus der Sache herauskommen, wollen wir alle individualistischer sein in unserer Art, uns zu kleiden. Er ist bereits das: eine Kunstinstallation.“

Top-Designer, die sich von der Kunstwelt inspirieren lassen

Die Ready-to-Wear Damenkollektion von Fendi, die im Februar präsentiert wird, ist die erste unter dem künstlerischen Leiter Kim Jones, der selbst ein Experte darin ist, die fruchtbarsten Kollaborationen mit der Kunstwelt aufzuspüren. Für seine erste Dior-Menswear-Show im Jahr 2018 holte Jones den Street-Art-Künstler Brian Donnelly alias KAWS ins Boot, während er im Herbst 2019 den Künstler Raymond Pettibon aus Los Angeles anwarb. Im vergangenen Sommer besuchte Jones die japanische Künstlerin Hajime Sorayama in ihrem Atelier, um eine Partnerschaft anzustoßen, nachdem er ihre Arbeiten in einer Tokioter Galerie gesehen hatte, und für den Herbst 2021 wandte er sich an den Basquiat-Zeitgenossen Kenny Scharf aus New York, um gemeinsam Drucke im charakteristischen Cartoon-Stil des Künstlers zu kreieren. Welches kunstvolle Angebot wird er für sein Womenswear-Debüt auf der Mailänder Modewoche machen?

Sterling Ruby, der kalifornische Künstler, der der Modewelt am besten durch seine jahrzehntelange kreative Zusammenarbeit mit Raf Simons bekannt ist – sowohl bei der gleichnamigen Herrenkollektion des belgischen Designers als auch während seiner kreativen Leitung bei Calvin Klein – wurde in den erlesenen Kreis der Haute Couture aufgenommen, deren Schauen in diesem Monat stattfinden. Er lancierte seine Marke S.R. Studio. L.A. C.A. auf der Florentiner Messe Pitti Uomo im Jahr 2019, und er verwischt schon seit drei Jahrzehnten die Grenzen zwischen Kunst und Mode, indem er Fäden, Nähte, Patchwork, gefärbte und gebleichte Textilien in seine künstlerische Praxis integriert.

Der nordirische Designer Jonathan Anderson ist ein Liebhaber zeitgenössischer Kunst und ein Kreuzritter für Collabs. Im Jahr 2016, als andere Designer Pop-ups eröffneten, gründete er die Jonathan Anderson Workshops, die die Arbeit von gleichgesinnten Kreativen aus den Bereichen Keramik, Skulptur und Fotografie zeigten, und 2017 kuratierte er eine Ausstellung in der Galerie Hepworth Wakefield in Yorkshire. In seiner Rolle als Kreativdirektor der zu LVMH gehörenden spanischen Traditionsmarke Loewe arbeitete er 2018 mit der zeitgenössischen britischen Künstlerin Anthea Hamilton zusammen, um eine immersive Installation für die Tate Britain zu kreieren, und rief sie erneut auf den Plan, als die Pandemie das Haus daran hinderte, eine Show für das Frühjahr 21 zu veranstalten. Das Wiedersehen führte zur Kreation von lebensgroßen Postern von Looks aus der Kollektion mit dem Titel "Show-On-A-Wall", die dann zusammen mit Kleber und Schere an Redakteure geschickt wurden, damit sie sie zu Hause aufkleben konnten. Für seine eigene JW Anderson-Linie kreierte er eine Capsule-Kollektion mit dem britischen Anti-Establishment-Duo Gilbert and George für Frühjahr-Sommer '19 und lud für das Frühjahr '20 die kanadische Bildhauerin Liz Magor zur Zusammenarbeit ein, nachdem er ihre Arbeiten in einer Ausstellung der Harvard University gesehen und festgestellt hatte, dass sie ähnliche Themen erforschten. Als Anerkennung für seine hohe Kunstkompetenz wurde Anderson zum Treuhänder des Victoria & Albert Museum ernannt und ist ein privater Sammler von mehr als 300 Kunstwerken, darunter Werke von Magali Reus und Cy Twombly.

Vielleicht mehr als jeder andere Designer versteht Anderson, dass eine Sharing Economy und die gegenseitige Befruchtung kreativer Ideen unsere Zeit bestimmt, und dass der jahrhundertealte Dialog zwischen Kunst und Mode nicht auf ein Marketing-Gimmick reduziert werden kann, um Geldbörsen und Turnschuhe zu verkaufen. „Ich denke, es ist weniger elitär, wenn es keine Trennung in der Kreativität gibt“, sagte Anderson gegenüber Artnet, „für mich ist das alles dieselbe Botschaft. Es geht einfach darum, passioniert zu sein.“

Die Liebesbeziehung zwischen Mode und Kunst ist heute wichtiger denn je

Bei der modernen Verbindung von Kunst und Mode geht es nicht darum, dass sich hochtrabende Eliten zusammentun, um sich gegenseitig auf die Schulter zu klopfen. Es ist Hochkultur mit einer bodenständigen Einstellung und, in den Partnerschaften mit Graffiti-Künstlern, ein Ableger unserer nicht enden wollenden Faszination für Streetwear-infundierte Luxuslabels. Aber wenn die Vermischung der Mode mit der Kunstwelt die Art und Weise beeinflussen könnte, wie wir Kleidung betrachten, so dass sie im physischen Raum unseres Kleiderschranks die gleiche Emotion vermittelt wie ein Meisterwerk in einer Galerie, wäre das ein Bonus. Wir könnten unsere Kleidungsstücke ein Leben lang tragen, sie sogar als Sammlerstücke betrachten.

Nachdem die "Black Lives Matter"-Bewegung allen die Augen für die völlige Weiße und inhärente Voreingenommenheit in unserer Branche geöffnet hat, bieten Kollaborationen eine Möglichkeit, über den Tellerrand zu schauen. Partnerschaften ermöglichen es uns nicht nur, unterschiedliche Kreative an einen Tisch zu holen, die bisher keinen Platz hatten, sondern noch einen Schritt weiter zu gehen und diese Kreativen dort zu treffen, wo sie sind. Das ist das Mindeste, was die Mode tun kann. Für das Frühjahr 2021 arbeitete Dior mit dem ghanaischen Künstler Amoako Boafo zusammen. Das Haus nutzte die Gelegenheit, dem afrikanischen Künstler eine Spende zukommen zu lassen, um ein Beispiel dafür zu setzen, nicht-weiße Stimmen zu erheben und gleichzeitig kreative Bestrebungen zu unterstützen.

Wenn, wie Silvia Fendi sagt, der Mensch nach der Pandemie sich der Definition entzieht, dann unterstreicht die schwindende Unterscheidung zwischen einem Gemälde, das an einem Nagel an der Wand hängt, und einem Kleid, das auf einem Bügel hängt, dieses Gefühl. Die Gesellschaft wird ihre Etiketten los und baut Silos ab. Und Kunst wird schon seit Monaten nicht mehr im stillen Kämmerlein einer Galerie betrachtet, weil Covid die Schließung dieser Institutionen erzwungen hat. Kunst bewegt sich jetzt inmitten unserer sozial-distanzierten Gesellschaft, flattert an Saum oder kündigt sich in Pullover-Prints an.

Dies ist eine Übersetzung eines englischen Beitrags von Jackie Mallon. Jackie Mallon lehrt Mode in New York und ist die Autorin des Buches ‚Silk for the Feed Dogs’, ein Roman, der in der internationalen Modeindustrie spielt. Übersetzung und Bearbeitung: Barbara Russ