Sollte Mode endlich als Kunst anerkannt werden?

In den letzten zehn Jahren ist die Mode zu einem wichtigen Umsatztreiber für die großen Kunstinstitutionen der Welt geworden. Ist es also nicht an der Zeit, dass der Mode das gleiche Prestige wie anderen Kunstformen, wie Malerei oder Skulptur, zuteil wird?

Seit Diana Vreeland 1983 eine Retrospektive im Costume Institute des Metropolitan Museum of Art über Yves Saint Laurent inszenierte - dem ersten lebenden Modedesigner, dem eine solche Ehre zuteil wurde - werden Mode-Ausstellungen zum Blockbuster der Museumslandschaft. Dennoch stellte die New York Times 2011 in einem Artikel mit dem Titel "Gone Global, Fashion as Art?" die Präsenz von Mode in einem Museum in Frage.

Es war das Jahr, in dem das Metropolitan Museum of Art “Alexander McQueen: Savage Beauty” inszenierte, eine Retrospektive des Designers, der im Jahr zuvor Selbstmord begangen hatte. Die Ausstellung zog 661.509 Besucher an, bevor sie ins Londoner Victoria and Albert Museum weiterzog, wo sie ebenfalls ein Riesenerfolg war. Seitdem hat das Met Museum unter der Leitung von Andrew Bolton und Vogue-Redakteurin Anna Wintour jedes Jahr im Mai immer größere Modespektakel konzipiert, darunter „China Through The Looking Glass“ im Jahr 2015 und „Manus x Machina; Fashion in the Age of Technology“ im Jahr 2017. Im Jahr 2018 wurde „Heavenly Bodies, Fashion and the Catholic Imagination“ zur meistbesuchten Ausstellung in der 148-jährigen Geschichte des Museums, die während ihrer fünfmonatigen Laufzeit über 1,6 Millionen Besucher anzog. In weniger als zwei Monaten wird gehofft, dass „About Time“ einen weiteren Sieg an den Museumskassen erringen kann: Mode und Zeit, eine Reflexion darüber, wie Kleidung den Zeitgeist widerspiegelt.

Die Besetzung von Kunsträumen durch Mode ist heute ein globales Phänomen. Zwischen 2011 und 2016 tourte die Ausstellung „Jean-Paul Gaultier: From Sidewalk to Catwalk“ um die Welt - von Montreal aus mit Stopps in Stockholm, Melbourne, Seoul und Brooklyn. Insgesamt zwei Millionen Menschen sahen sie. Im vergangenen Jahr füllte eine Wand aus makellos weißen Kacheln, die vom Atelier der Näherinnen in Maison Dior geschaffen wurde, unsere Instagram-Feeds und schürte das Interesse, als die Retrospektive „Christian Dior, Designer of Dreams“, im Victoria and Albert Museum in London ankam, nachdem sie Anfang des Jahres im Musée des Arts Décoratifs in Paris konzipiert worden war.

Diese Erfolge sind zweifelsohne ein Produkt der Demokratisierung der Mode über die sozialen Medien. Während die traditionellen Kunstformen die Massen noch immer einschüchtern können, ist Mode ein Thema, zu dem die meisten Menschen gerne eine Meinung teilen. Aber für eine Modekennerin, die in Ehrfurcht auf eine von John Gallianos dekadenteren Visionen aus seinen Dior-Jahren steht - ein exquisites Modell zerfallener, dekonstruierter Schichten - grenzt es an Blasphemie, wenn die Person neben ihr den Kopf neigt und sagt: „Wer würde das denn tragen? Das ist überhaupt nicht schmeichelhaft“.

Man könnte argumentieren, dass der Fortschritt darin besteht, dass sich die Öffentlichkeit in den ehrenwerten Mauern erhabener Gebäude mit Mode beschäftigt. Ein Fortschritt deshalb, da die Mode historisch gesehen als eine minderwertige Disziplin abgetan wurde, eine Kunst, die die Worte "dekorativ" oder "angewandt" vorherschieben musste und daher eines Museums unwürdig war.

Mode als Kunstform in der neuen Galerie in Manhattan anerkannt

Manan Ter-Grigoryan, die Gründerin von Waves and Archives, einer Plattform zur Förderung von Mode als Kunst, eröffnete gerade eine, wie sie es nennt, „nomadische Galerie“ in Downtown Manhattan. Zurzeit ist die Kunst der in London ansässigen Sinéad O'Dwyer ausgestellt, einer ehemaligen Modedesignerin, die Silikon- und Glasfaserskulpturen herstellt, die auf die Körper ihrer Freundinnen, bekleidet in Unterwäsche, Seide und Spitze, aufgetragen werden. Ter-Grigoryan hält Modeausstellungen für ein zweischneidiges Schwert und fragt sich, ob sie den Dialog in irgendeiner sinnvollen Weise voran bringen.

„Sie normalisieren das Sehen von Mode innerhalb von Museen und stellen die sehr einfache Assoziation «Es ist in einem Museum - also muss es Kunst sein« her“, sagt sie. „Aber andererseits etablieren sie Beziehungsmuster zur Mode, die sie auf ihr Handwerk, ihren Nutzen, ihre Arbeit und ihre ästhetischen Werte reduzieren - Fragen, die in der Kunst nicht gestellt werden und daher nur dazu dienen, Mode und Kunst weiter zu trennen.“

Für die Museen können diese Modeausstellungen eine Verbindung aus Markenneupositionierung, die der Institution einen Coolness-Faktor verleiht, und kommerzieller Angelegenheit sein, die ein erhöhtes Besucheraufkommen verspricht. Aber so wie sie für den Massenandrang konzipiert sind, sind die Shows fast zu einer Form der Unterhaltung zur Hauptsendezeit geworden. Die Met-Gala, die jedes Frühjahr die Eröffnung der Ausstellung des Costume Institute ankündigt, ähnelt mit ihrem roten Teppich und der Liste der prominenten Gäste den Oscar-Veranstaltungen. Inzwischen kann die Kuratierung der Exponate einer Merchandising-Aktion ähneln, was die Sache noch komplizierter macht. Farbe als Thema zum Beispiel, so dass in einem Raum nur Kleidungsstücke ausgestellt werden, die weiß sind, unabhängig davon, ob die Stücke aus der Belle Epoque oder vom Pariser Laufsteg der letzten Saison stammen. „Wenn wir in einer Ausstellung ein Kleid mit Requisiten stark kontextualisieren, hört das Publikum, dass das Kleid selbst nur ein Artefakt einer Inspiration oder eines Trends ist, und nicht ein eigenständiges Kunstwerk“, erklärt Ter-Grigoryan. „Wenn wir jedes Stück mit einem Foto eines Prominenten, der es trägt, begleiten, dann versteht das Publikum, dass es auf das visuelle Leben des Stücks in den Medien ankommt, oder auf seine Präsenz in der Popkultur.“

Da sie seit über einem Jahrzehnt in der New Yorker Kunstwelt arbeitet, glaubt sie, dass es eine Verantwortung gibt, Mode als Kunst zu verkünden, und dass diese Verantwortung nicht erfüllt wird. Museumsbesucher haben nicht unbedingt etwas mit der als Kunst ausgestellten Mode zu tun, und tatsächlich geht die rekordverdächtige Anzahl von Besuchern im V & A oder in der Met eher auf Kosten der Kunst, anstatt mit einer wirklichen Wertschätzung für sie einherzugehen.

Es ist diese Verantwortung, die sie dazu veranlasste, Manhattan für den Start von Waves and Archives zu wählen. „New York ist eine Stadt, in der die Welt der zeitgenössischen Kunst offen genug ist, um eine Galerie mit einem neuen Angebot zu akzeptieren und sie nicht wegen ihrer Neuheit beiseite zu schieben“, sagt sie. „Das Einzige, was eine Konstante bleibt, ist New Yorks einzigartige Fähigkeit zur Neuerfindung“. Ter-Grigoryan setzt darauf, die Öffentlichkeit dazu zu ermutigen, die Mode in einem Galeriekontext neu zu bewerten, der sich sehr von dem unterscheidet, den Andrew Bolton und Anna Wintour derzeit im Met inszenieren.

Vielleicht trägt die Terminologie, die bei der Beschreibung von Mode verwendet wird, zu ihrer kompromittierten Stellung im Bereich der Kunst bei. Ter-Grigoryan argumentiert, dass ein Gemälde nie als "hängbar" bezeichnet wird, warum also muss Kunst im Medium der Mode als "tragbar" bezeichnet werden? Es ist eine Übung im „Othering“, dieser Verweis auf die Nützlichkeit des Werkes, die Ter-Grigoryan als „gewöhnlich eingesetzt wird, um es von der Kunst zu trennen, oder es abzuwerten, so als ob die 'Tragbarkeit' eine offensichtliche Sünde des Mediums wäre. Sie ist oft einschränkend und meist zweitrangig, wenn nicht gar völlig irrelevant für das Objekt.“

Dennoch gibt es in der Kunstwelt ein etabliertes Lexikon - Gemälde, Skulpturen, Porträts, Landschaften, Öle, Aquarelle -, das fehlt, wenn die betreffende Kunst beispielsweise einer Bluse ähnelt. Wir können ein Werk nicht als eine Reihe von Chiffons beschreiben. O'Dwyer's Arbeiten, die es schaffen, sowohl zart als auch fest zu sein, hängen von der Decke, sie zeigen keine Bewegung des Stoffes und können dennoch getragen werden. Ter-Grigoryan bezeichnet sie einfach als Kunstwerke, weist aber schnell darauf hin, dass keineswegs nur Modekunst ist, "so wie nicht alle dreidimensionalen Objekte Skulpturen sind.“

Ter-Grigoryan ist geduldig, wenn es darum geht, ihre Position und den Kurs, den sie für Waves and Archives eingeschlagen hat, zu verteidigen und zu erklären. Sie glaubt, dass sich die Kunst des 20. Jahrhunderts mit Dada, Bauhaus und Pop Art mit ähnlichen Themen befasst hat und dass die Mode im 21. Jahrhundert ihre Identität ebenso erwerben wird. Zu diesem Zweck hat sie ein Manifest in Form einer Erklärung der Rechte veröffentlicht, das elf Behauptungen enthält. Die erste? Das Recht der Mode, als eines der Medien der Kunst anerkannt zu werden.

Die Eröffnungsausstellung der Galerie Waves und Archive, ‘Sinéad O'Dwyer: In Myself’ ist bis zum 3. April 2020 in der 117 Beekman St. in New York zu sehen.

Dies ist eine Übersetzung eines englischen Beitrags von Jackie Mallon. Jackie Mallon lehrt Mode in New York und ist die Autorin des Buches ‚Silk for the Feed Dogs’, ein Roman, der in der internationalen Modeindustrie spielt. Übersetzung und Bearbeitung: Barbara Russ

Foto:s FashionUnited